En esta nueva, y pésima, edición de Cannes les está ocurriendo lo mismo. A mi particularmente me encantá leer las críticas de Boyero y de Hermoso al igual que religiosamente leo Cahiers du Cinema. Quizá sea la envidia, quizá la sin razón, quizá estén en posesión de la verdad los que vapulean. Yo me mantengo al margen.

Pero volviendo a lo que atañe, y justificando el título de esta entrada, la polémica comienza a hacerse fuerte de la mano de Godard. Hermoso coloca a Jean Luc a un nivel terrenal “Al final de la escapada está, creo yo, entre mis seis o siete películas favoritas. También me gusta Pierrot le fou. De ahí a santificar TODO Godard, ni de coña”. Y desde luego no le falta razón, quizá debería argumentar, pero tratándose de gustos no es necesario exponer nada más.

Desde luego que “el genio” francés es irregular. Películas como “Al final de la escapada”, “Vivir su vida”, “Banda aparte”, “Alphaville”, “Pierrot el loco”, “La chinoise” y seguro que me dejo alguna, justifican toda una carrera y le hacen ascender al olimpo de lo mejor que ha dado la historia del cine. Pero, y aquí está la cuestión, el director flaquea mucho fundamentalmente, a mi entender, en los 90 y la primera década de este siglo.  Títulos como “Nuestra música”, “Nouvelle vague”, “Elogio del amor” o la última “Film Socialisme” (algunas de ellas multipremiadas) te hacen constatar que el cine ha entrado en un manierismo bastante putrefacto.

Pongo un cartel de “Notre Musique” porque la indescriptible carcajada que solté escuchando a Juan Goytisolo fue memorable.

J.M.

Durante la creación de una película está siempre en mi cabeza este largo camino. No inseguro, pero lleno de horas perdidas.

Porque para conseguir lo que uno desea, como siempre, la receta es esperar.

Muchas de sus películas se perdieron, quizá porque el destino lo ha querido así; pero las que nos quedan son admirables.

Acabo de terminar “Misiones pedagógicas” un compendio de tres cortometrajes sobre la semana santa en toda la Región de Murcia durante la etapa republicana. El sabor que te queda es de no haber podido disfrutar más. Su expresividad es similar a la escuela inglesa de la época, yo creo que la supera. Y de “Aguaespejo granadino” y “Fuego en Castilla” es quizá esta la que más me ha tocado. Por su sinceridad y quizá también por ese toque mostrativo que me ha recordado a “Apropósito de Niza” de Jean Vigo.

Cualquier cosa de Val del Omar que caiga en vuestras manos debereis verlo. Palabra de cinéfilo.

J.M.

“En Japón nadie diría que mañana se cumple un siglo del nacimiento del cineasta más influyente del país y uno de los más laureados en la historia del séptimo arte: Akira Kurosawa (1910-1998). El preocupante silencio institucional se debe aparentemente a que los fastos del aniversario recaían enteramente sobre la Fundación Akira Kurosawa, dirigida por Hisao Kurosawa, hijo del director y productor en sus últimos filmes.

A finales de enero, el diario Yomiuri Shimbun informó de que unos 300.000 euros del patrimonio de la fundación se hallaban en paradero desconocido y que Hisao Kurosawa está siendo investigado por posible malversación, lo que viene a significar que la fundación está literalmente arruinada. Así pues, los eventos planeados quedan en suspenso, entre ellos, una gira mundial bautizada como AK100 que, para escándalo de fans, contaba con una chirriante identidad gráfica del dibujante francés Moebius (Jean Giraud).

Peor aún que la suspensión de actos en Japón es la congelación del estreno del documental inacabado sobre teatro noh que filmó Kurosawa en los ochenta y el metraje inédito que llegó a rodar para Tora!, Tora!, Tora! antes de abandonar el proyecto. La única buena noticia para los seguidores del realizador ha sido el lanzamiento en mayo de 2009 de una página web (www.afc.ryukoku.ac.jp/Komon/kurosawa/index.html) promovida por la fundación que incluye unos 20.000 documentos entre guiones, notas de producción, fotografías personales y de rodaje, storyboards o bocetos firmados por el propio cineasta, gran enamorado de la pintura. Lo malo: que su traducción a otros idiomas aún está pendiente.

De esta manera, los fans de Kurosawa tendrán que conformarse de momento con relanzamientos de sus títulos en DVD, ciclos puntuales o rumores sobre remakes de películas como Vivir. Los problemas de la fundación, sin embargo, no afectarán a lo organizado en España por el crítico e historiador Josep Maria Caparrós, que llevará a 12 ciudades -arrancó la semana pasada en Las Palmas- ciclos de cine, seminarios y una exposición de dibujos de Kurosawa, entre otras actividades. Resulta aún más triste pensar que en 2010 también se cumplen 60 años desde el estreno de Rashomon, que ganó el León de Oro en Venecia y descubrió al mundo entero el inmenso talento de Akira Kurosawa.

Basado en dos relatos del célebre escritor Ryonosuke Akutagawa, Rashomon concentra buena parte de los métodos que hicieron famoso al director, como el uso de la multicámara, el empleo de la luz natural o su peculiar forma de trabajar con los actores, a los que solía sumergir en el universo narrativo de cada filme de una manera que rayaba en lo obsesivo. Hizo disparar flechas de verdad sobre el actor Toshiro Mifune en la secuencia final de Trono de sangre. De hecho, su fama de director perfeccionista, caprichoso y autoritario le hizo ganarse el apodo de El Emperador.

Antes de Rashomon, la historia de Kurosawa es la de un niño nacido en el antepenúltimo año de la era Meiji (1868-1912), en el seno de una acomodada familia tokiota de estirpe samurái. Entre las figuras que marcaron su infancia está su despótico padre Isamu (al que siempre recordaba enojado y puliendo su katana con polvos abrasivos, según narra el maravilloso documental A. K. de Chris Marker), que le inculcó su amor por las películas. Y sobre todo le influyó su hermano mayor, Heigo, personaje brillante y oscuro que trabajó como benshi (narrador de cine mudo en las salas) antes de suicidarse. Tuvo tiempo para dejarle una perla imborrable: cuando ambos hermanos caminaban por las desoladas calles de Tokio tras el terremoto de 1923 que acabó con la vida de unas 100.000 personas, Heigo obligó a Akira, que tenía 13 años, a mirar directamente a los cadáveres para “superar sus miedos”.

El inicio de su carrera como director estuvo marcada por la falta de libertad creativa, pero las presiones se fueron rebajando a finales de los cuarenta y en 1950 llegó Rashomon. A partir de aquí, y fruto de su estrecha colaboración con los actores Takashi Shimizu y Toshiro Mifune, se sucederían algunos de los títulos que más han influido a directores de todo el planeta. Son la enternecedora Vivir (1952), la épica Los siete samuráis (1954), Trono de sangre (1957), calificada por Harold Bloom como la mejor adaptación de Macbeth, La fortaleza escondida (1958) -que inspiró a George Lucas los personajes de C3PO y R2D2- o Yojimbo (1961), maravillosamente plagiada por otro grande, Sergio Leone, en Por un puñado de dólares.

Ya entonces, Kurosawa se enfrentaba a los críticos japoneses que le acusaban de ser demasiado occidental, empeñado en llevar a la pantalla la literatura de Dostoievski, Shakespeare, Gorki o Simenon, en cuyas novelas se inspiró para rodar El perro rabioso (1949). Las acusaciones le pasaron factura dentro de la industria nipona, que a finales de los sesenta lo consideró ya manido y lo empujó a una lucha constante para lograr financiar sus trabajos.

Después del estreno en 1970 de Dodeskaden, Kurosawa intentó suicidarse. Logró reponerse y filmar la que fue su única película producida en el extranjero, Dersu Uzala (1975), un alegato contra la desnaturalización del hombre moderno. Ya casi ciego, y con el apoyo financiero de George Lucas, Francis Ford Coppola o el francés Serge Silberman, rodó en la siguiente década la monumental Kagemusha (1980) y la poderosa fábula Ran (1985), su obra cumbre para muchos y por la que fue candidato al Oscar. Perdió, aunque en 1989 obtuvo la estatuilla honorífica. Salió a recogerla pertrechado tras sus famosas gafas ahumadas, que eran su homenaje a su admirado John Ford.”

Una vez leido el artículo no me resisto en volver a recomendaros el documental “A.K.” de Chris Marker, otro gran artista del que hablaré un día de estos.

J.M.

1. Spanish Earth – Joris Ivens (1937)
2. Morir en Madrid-Frederic Rossif (1963)
3. Etre et avoir-Nicholas Phillibert (2002)
4. En Construcción-José Luís Guerín (2001)
5. Monos como Becky-Joaquín Jordá (1999)
6. El Sol del Membrillo-Victor Erice (1992)
7. Land des Schweigens und der Dunkelheit-Werner Herzog (1971)
8. La batalla de Chile: la lucha de un pueblo sin armas-Patricio Guzmán. Son tres estupendas partes del 75, el 77 y el 79.
9. Le chagrin et la pitié- Marcel Ophüls
10. Le Monde du Silence-Jacques Yves Cousteau y Louis Malle (1956)
11. L´inde fantôme-Louis Malle (1969)
12. Yoman- David Perlov. El año de producción varía dependiendo de cada una de las seis partes que componen el documental, ya que es un diario personal.
13. Burden of dreams-Les Blank (1982)
14. Let´s get lost-Bruce Weber (1988)

Había pensado en introducir “La pasajera” de Munk, pero creo que navega entre el documental, la verdad, la ficción y el testimonio vital. Me niego a encasillar esa gran película.

Después de leer la lista podreis pensar que he olvidado a muchos grandes, pero no es así. Mi intención no era escribir los conocidos como mejores documentales de la historia sino aquellos que me han ayudado a cambiar mi forma de entender las cosas de alguna manera.

J.M.

Epílogo. Gracias a los compañeros de Obsesión de Cine, he podido hablar brevemente de cine documental y compartir una tarde de radio y cine con ellos. Podeis escucharlo en su página web.

Apartando un poco a Herzog, ya le he dedicado dos entradas en su totalidad y sería un poco obsceno dedicar tan pronto otra; voy a resumir mi impresión, quizá un poco primaria, sobre lo que me sucedió después de ir a ver el debut cinematográfico de Shirin Neshat. Esta directora iraní, conocida por sus trabajos en línea con el videoarte y la vanguardia audiovisual, ha decidido dar el salto al largometraje olvidando, no del todo, la concepción exclusiva del audiovisual de donde procede. En este sentido decido por un lado aplaudiar a Borja-Villel, el nuevo director del Reina Sofía, por apostar por el cine y el audiovisual.

Sus proyecciones son bastante recomendables (Auditorio Sabatini) y permiten acercarte al director de la obra que suele estar presente en ocasiones para charlar sobre su trabajo.

Sin embargo, y por poner una negativa, que es precisamente lo que quiero resaltar, la mediocridad de lo proyectado, me decepcionó. No iba con grandes expectativas, “Women whitout men” recibió el premio a la mejor dirección en el festival de Venecia de 2009 y todos sabemos lo que eso significa. Es en este sentido donde viene mi recomendación para el encargado de hacer estos ciclos: olvidense del nombre y proyecten aquello que merezca estar en pantalla grande.

Salí pensando que únicamente habría sido un error, pero luego, reflexionando un poco: me volví a encontrar otra vez con la idea de que el cine actual está plagado de mediocridad y asquerosa complacencia, como en todo el arte contemporáneo en general. Seguro que el mejor director de cine del mundo está sirviendo café.

J.M.

Epílogo: Pongo un carte de “Mamma Roma” porque adoro esta película y a Pasolini. Además siempre que veo algo asqueroso y podrido en el cine me acuerdo de “Rabbia” y me pregunto qué haría P.P.P.

Si bien las comparaciones son odiosas, aquí no haré ninguna. El subgénero puede ser el mismo, pero la forma y el fondo no lo son; por tanto, voy a ahorrar a alguno más de un disgusto.

Sin embargo, si tengo que decidir, me quedo con la más vieja. Por sentimiento y por maestría en la dirección y la puesta en escena. Cosa sobre la que Audiard debería reflexionar con el objetivo de aprovechar mejor las buenas actuaciones que le han ofrecido sus compañeros. No dudo de la buscada verosimilitud, pero si el director como bien comenta quería huir de los dos estereotipos de cine carcelario que según sus palabras existen (el de Scarface y el de Prision Break son en sus palabras las dos caras de la moneda). Hay veces que peca de beber agua en las dos orillas.

A pesar de esto, creo que mi defecto es sacar un porqué a todo. Por eso, id a verla y decidis por vuesta cuenta. Y si podéis, no estaría mal que Bresson también os aclarara un poco las ideas.

J.M.

Es increible la espiral de valoración que tiene el cine de Saura, para mi y salvo excepciones (La caza), poco interesante. Lo refleja muy bien una frase del propio director a la hora de definir la selección de su primer largometraje “Los golfos” en Cannes, “No teníamos ni un duro, pero a los franceses les encantaba aquello de los jovenes cineastas españoles antifranquistas”. Y con esto ha vivido la mayor parte de su carrera, basada en sus triunfos en el extranjero.

Pero lo interesante vendría después, con los siempre competentes José Luís López Linares y Javier Rioyo, también autores de la pieza sobre Saura, hablando largo y tendido sobre la obra de Buñuel. El ritmo podría ser mejorable pero la figura de Buñuel lo eclipsa todo y hace que se perdone cualquier error. Su cine es fascinante y no tiemblo al decir que podría ser uno de los cinco mejores directores de la historia. Yo no sabría con que película quedarme: aquí se reduce mi capacidad de selección.

Aunque como la que más me ha conmovido es “Belle de Jour” diré que es obligación verla, pero diré más: si amas el cine, tienes que amar a Buñuel y a cualquiera de sus películas.

Algún día hablaré de Buñel y Filmófono. No tiene desperdicio como productor. “Centinela alerta” es increible.

J.M.

Dejando de lado la última entrada en el blog y para reconciliarme conmigo mismo, visioné “La tierra” de Dovjenko como una pieza clave de un cine primitivo que tuvo su mayor explendor en Rusia durante los años 30.

Me volví a reencontrar con el cine soviético después de toparme con una curiosa compilación. Toda mi vida había querido conseguir “Alexandr Nevsky”, era la película de Eisenstein que más me habia tocado. No soporto Ivan, el terrible; ni la primera, ni la segunda. Y otras películas suyas más populares como “la huelga”, “el acorazado potemkin” u “Octubre” siempre las he valorado pero nunca me habían dejado huella. Manías, supongo. El caso es que buscando otra película me encontré con que “Aleksander Nevsky” se vendía junto a “Qué viva México”, curiosísima película que siempre me ha resultado muy simpática. Extraña mezcla, pero interesante. Una pena que no llevase nada de dinero, porque el precio era bastante patético.

Así que tras este encuentro, el cine Ruso de principios de siglo volvío a mi mesilla de noche, me volví a acordar de el. Decidí poner “La tierra” porque aquel tractor, que para mí es y será siempre el protagonista de la película, me motiva y por supuesto porque es un cine épico, político y mítico. De esos que te levantan del asiento.

Ahora me voy porque me están esperando Kulechov, Kalatozov, Tchujrai, Truberg. Vertov, Pudovkin y Dovjenko.

Un saludo.

J.M.

Únicamente escribo cosas que intenten ser constructivas, aún siendo críticas, estas deben mirar en la dirección de una posible mejora.

Digo esto porque charlando con Josep (http://obsesiondecine.com), el azote del guión y de muchos directores presuntuosos, me comentó la posibilidad de hablar sobre “Inglorious Basterds”. ¿Por qué?, por las reacciones encontradas que había provocado su comentario en relación con la película de Tarantino.

Y me apostó, me retó. “Haz una crítica negativa. Se lo merece.”. A él no le agradó nada la película.

Por eso, esta entrada es para acabar con la tolerancia durante un tiempo e izar la bandera de guerra.

Tarantino nunca ha hecho cine. Se ha dedicado a lamerse sus propios genitales desde el año 87. Y por eso ha sido nombrado icóno de la década de los 90.  Un gran personaje.

Pero centrándonos en la espantosa “inglorious basterds”. No tengo palabras para expresar lo mal que me sentí por haber entrado al cine.

Mal guión, demasiado simple, parecía una broma constante, diálogos forzados y ridículos. Cada cinco minutos me preguntaba si ya que estaba Brad Pitt iba a aparecer Angelina Jolie, pero no.

Las actuación de Christoph Walz es buena exclusivamente porque le han dado un premio en Cannes, lo ha dicho Carlos Boyero y habla cinco idiomas.

La dirección es una pregunta… ¿Por qué?.

Ni siquiera merece la pena la fotografía de Robert Richardson, un tío con un ego como una catedral pero que suele hacer bien su trabajo.

Pero, siendo más personal hay dos cosas que no superé: una es que estuviese hablando de Pabst constantemente, me sentí como si violasen a mi novia, y la otra es Eli Roth: siento una tremenda lástima por este ser humano.

Y es que si cuando sales del cine tu única pregunta sobre la película es “Vaya, ¿Cómo habrán doblado esto para las salas comerciales?”. Es que durante hora y media has estado deseando llegar a casa para poner “Westfront 1918″.

Sin acritud.

Un saludo.

J.M.

Dejando manías aparte, me atreví con la segunda: “Blue Velvet”. Aquí cambiaron las cosas. Compleja como ninguna, me atrapó de principio a fin; aunque no sabría muy bien explicar su contenido sin una previa reflexión. Me sentí identificado. Todas las películas, como en la vida, tienen que ver con un estado de ánimo, quizá era lo que necesita en aquel momento.

Después, “el hombre elefante”, fantástica. Continué con todo “Twin Peaks”; y más allá de la serie, “Fire Walk with me” me dejó tocado. Otra vez el estado de ánimo. Para mi es la metáfora perfecta de como descender a la nada. A la mismísima mierda. Por eso me encantó. Pero, me alejé y sigo sin conectar con las tres siguientes que pude ver: “Carretera perdida”, “Mulholland Drive” y “Inland Empire”.

Todavía me queda mucho Lynch. Ya sabemos, o mejor, no sabemos que nos espera, o ¿Alguien se esperaba esto?

Revisando por casualidad los ciclos que ha realizado la filmoteca nacional, fuí en busca de Herzog. Encontré dos, separados por una década, uno en 1989 y el otro en 1999. Este último contó con la presencia del director. Una pena no haber podido estar en aquella presentación.

Lo primero que piensas es que va siendo hora de proyectar “Nuevo Cine Alemán” en la filmoteca. Porque tras recorrer la historia del cine Doré desde 1963 nos olvidamos de la importancia del cine germano; me sorprende bastante que jamás hayan programado un ciclo de Alexander Kluge. Por suerte, este último se ha visto recompensado en la última “semana de cine experimental de Madrid” con una amplia retrospectiva a toda su carrera, además de la excelente edición de sus obras completas en España. Toda una joya.

Retomando a Herzog, me da la sensación de que aquí no somos capaces de entender la importancia de lo “Hispano” en su obra. Deberíamos revisitarlo más a menudo, aunque únicamente sea para darle las gracias por “Aguirre, la cólera de Dios”. ¿Hubiese sido posible  que un director español mostrase una historia tan oscura y tan patética de la conquista española de América de forma tan perfecta?. Me consta que Saura todavía está dándose con la cabeza en la pared después de firmar “El Dorado”.

J.M.

Con el paso del tiempo, cambiamos de opinión más de lo que acostumbramos a recordar. En cuanto a gustos, puede ser que evolucionemos, hacia donde, eso no lo sé.

En cuanto a mis preferencias cinematográficas, Werner Herzog siempre ha sido mi mesias. Y no recuerdo haber dudado de él en ningún momento. No he tenido debilidad, ni pérdida de interés. Únicamente me alejé de su obra después de ver el poco agraciado documental “Die grobe Ekstase des Bildschintzers Steiner”, pero fue porque se alejaba demasiado del cine. No lo asumí.

Y es que parece que el hombre sigue en forma. Como comentaba de Bergman, en otra entrada. No se engaña a sí mismo e intenta volcar su mirada y su punto de vista en cada plano. Para mí sigue siendo de los mejores, por eso os recomiendo la película anecdóticamente titulada “Teniente corrupto”. Olvidaos de Ferrara, porque aunque comparten título, este sólamente busca el tirón comercial.

Ahora que está en los cines, disfrutadla en pantalla grande.

P.D: Si quereis saber más sobre la persona de Herzog y su forma de entender el cine os recomiendo el documental “Burden of Dreams”. Sus imágenes serán mas explicativas que cualquier comentario.

J.M.

http://www.elpais.com/articulo/Babelia/Artista/come/artista/elppor/20100123elpbab_23/Tes

J.M.